Keine Gimmicks, kein Blödsinn: Der Songwriter widmet sich den substanziellen Dingen.Na, wenn das mal nicht der Albumtitel des Jahres ist: »Feelings aus der Asche«, so heißt das inzwischen sechste Album des in Berlin lebenden Hamburger Musikers und Entertainers Olli Schulz – nach »SOS - Save Olli Schulz« (2012) die zweite Veröffentlichung bei Trocadero. Und wieder einmal ist es nicht das geworden, was man erwartet hätte: keine Liedermacherplatte mit witzigen Alltagsbeobachtungen, keine Gimmicks und Jokes und kein Blödsinn, sondern eine richtige Bandplatte mit Songs, die sich um die substanziellen Dinge des Lebens drehen: das Gefühl, dass man irgendwie aus der Zeit gefallen zu sein scheint (»Boogieman«), die Liebe zur Musik, die einen ein Leben lang begleitet (»Als Musik noch richtig groß war«), oder die Flucht in die Einsamkeit (»Mann im Regen«).Aufgenommen in den legendären Berliner Hansa-Studios, wurden die zehn Songs zusammen mit Gisbert zu Knyphausen (Bass), Arne Augustin (Klavier, Keyboards) und Ben Lauber (Schlagzeug) aufgenommen, produziert hat Moses Schneider (u. a. Tocotronic, Beatsteaks).

Olli Schulz über sein Album: "Da stolpert man von einem Abenteuer zum nächsten, versucht ein guter Mensch zu sein, zeigt seine Wunden, solidarisiert sich mit der Ahnungslosigkeit, verbarrikadiert sich gegen das Erwachsen werden und stellt irgendwann erschrocken fest, dass man im Speisesaal des Lebens doch nur ein Omelett bekommt. Wie soll man das verstehen? Ich glaube das beste ist, darüber zu schreiben oder zu singen. Das mach ich. Also beides. Die 42 Minuten meiner neuen Platte sind ein Geschenk an die Menschheit. Eine Begegnung mit Freunden, Feinden und flüchtig Bekannten auf einem unergründetem Boden. Lieder über die ewige Suche nach Liebe begrüßen den Zuhörer genauso wie die Erkenntnis  der Vergänglichkeit oder die Motivation der Orientierungslosen.  Produzent Moses Schneider bewies aber wieder mal, dass er ein perfektes Händchen dafür hat, ein eigenes Klangbild entstehen zu lassen. Damit die Platte nicht nur aus Schlagzeug & Gitarre besteht, lud ich mir Freunde wie Marten Ebsen, Walter Schreifels,  Gisbert zu Knyphausen , Winson oder Arne Augustin ins Studio ein, die meine Songs mal mit einem Chor, einer Gitarre oder einem Klavier veredelten".3 Jahre nach seinem ersten Solo-Album "Es brennt so schön" macht der unwiderstehliche Realromantiker und charmant-witzige Poet und Entertainer Olli Schulz seinem Publikum mit dem neuen Studioalbum so ganz selbstverständlich und ohne großes Gezeter drumherum ein großes kleines Geschenk. Aus dem vormals verträumten und albernen Gitarrenjungen ist ein gereifter und wacher Geschichtenerzähler geworden. Er erzählt seine Geschichten und wir fühlen uns so richtig mitten drin in den teilweise autobiographischen Erlebnissen. Man müsste einen Typen wie Olli Schulz eigentlich unter Artenschutz stellen, ein Ausnahme-Songwriter.

...ist, um das gleich mal klarzustellen, eine Band. Kein Projekt, kein Experiment, sondern ein merkwürdiges Viech, ein rätselhafter Haufen, ein drängender Organismus, eine Gang aus Outlaws, die überall das Weiter suchen und ständig falsche Fährten legen. Koppruch und Knyphausen singen und spielen flankiert von Alexander Jezdinsky (Schlagzeug), Felix Weigt (Bass, Klavier) und Marcus Schneider (Gitarren) dreizehn Songs, die sie gemeinsam geschrieben und aufgenommen haben. Wer was singt wurde quasi ausgelost, und manchmal singen sie auch zusammen. Das von Swen Meyer produzierte Album beginnt laut, rockt, wird leiser, fast getragen, bäumt sich wieder auf, zuckt und bebt, hat Hits und Haken und dürfte Koppruch- und Knyphausen-Anhänger gleichermaßen begeistern und verwirren, weil nie so richtig klar wird, was jetzt von wem ist, dann aber wieder doch, oder wie? – als hätten sich die beiden hochgehoben, angestoßen und ineinander verschränkt. Da ist etwas entstanden aus den Wurzeln der Werke zweier Originale, und das ist natürlich ein Glücksfall, denn jetzt kriegt man den Koppruch und den Knyphausen und noch was ganz Neues. Die Palette der Klangfarben ist entsprechend groß, Kategorisierung schwierig, nennen wir's organische Musik, die weiter will und den Bogen schlägt vom Amerika der Storyteller ins Jetzt. Ja und nun noch die Texte – Geschichten, Bilder, Innen und Außen. Moses zieht sein Hemd aus, knietief im Dreck, die Taschen voller Gold, in einem Feld aus Steinen, Wörter wie schwarzes Konfetti. Alle Mann an die Ruder, denn das Leben wartet hinter Geschenkpapier, das man erst zerreißen muss. Liebeslieder, Lebenslieder, Lieder wie Abenteuerfilme, die noch niemand gedreht hat, und über allem die Frage: Wer bin ich?

Boxset includes:1. 12“ Vinylalbum „Communication“2. exclusive poster „I´m  The Message“3. limited 7“ vinylsingle „Life“4. limited 7“ vinylsingle „15 Minutes Of Fame“5. 3 7“ photoprints6. 1 signed photoprint signed by Karl Bartos7. Digipak Album CD „Communication“8. USB Card inkl. all audio formats, 12“ Remix by Matthew Herbert, Video, Graphics.Communication is the debut solo album by ex-Kraftwerk member Karl Bartos. Originally released in 2003 – 13 years after leaving the legendary electronic group – it has now been entirely and pristinely re-mastered for re-release, complete with the bonus track »Camera Obscura« – a song that eschews the term ‘bonus’ and in the context of the re-release becomes ‘essential’. The album is a concept record that deals with communication at the incredibly pivotal time in electronic media and digital culture, shortly after the turn of the millennium.“Communication’ is about the way images shape our view of the world and how electronic media is going to change the contents of our culture.” (Karl Bartos, 2003) However, such was the sense of foresight and depth of thought that Bartos applied to the world of communication in a vastly-shifting aeon that this theme remains as relevant as ever in 2016. The world of media described and envisioned back then has now simply become a day-to-day reality. Communication is a definitive piece of work that continues to resonate even in the present day, which alone would be enough to justify its re-release but there is another reason.  The Lost Album Fate or just bad luck? The fact is, Bartos' former Kraftwerk colleagues also released an album in 2003, their first after a ten-year break and since Bartos left the band. The media predictably focused their attention on Kraftwerk’s Tour de France Soundtracks and it certainly didn't help that Bartos was a co-author on the Kraftwerk classic, and album defining, »Tour de France«. This is hardly surprising giving that Bartos was also the co-author of such genre-changing electronic hits as »The Model«, »The Robots«, »Numbers« and »Pocket Calculator« – these are just a few songs that were created during his time in the classic line-up from 1975 to 1990, arguably Kraftwerk’s most fertile and pioneering period. Even today, people still refer to him as “the second from the left”, referring to his role and placement as the melody-maker of significant Kraftwerk albums such as The Man-Machine (1978) and Computerworld (1981). Personnel changes and cost-cutting measures at his record label, Sony, only further hindered the promotion of Bartos’ album. Overall, rotten timing, and luck – combined with a collapsing music industry trapped in a spin, having no idea how to deal with the digital revolution it was fast approaching – were major factors in stopping the record from receiving the momentum and backing it required, and deserved. It was so overshadowed that Communication is often self-deprecatingly referred to as his “Lost Album”.Bartos produced Communication with sound engineer Mathias Black at his home studio in Hamburg between August 2002 and January 2003, but the album's concept had already been developing in the mind of Bartos since the turn of the new millennium. The album captures his reaction to the all-encompassing influence of digital media on society, cultural awareness and communication, the very basis of contemporary human existence. Prior to releasing Communication Bartos was a busy man. Under the moniker Electric Music, he released the albums Esperanto (1993) and Electric Music (1998). With Bernard Sumner (New Order) and Johnny Marr (formerly of The Smiths), he composed the second album by Electronic, Raise the Pressure (1996). He also wrote songs for, and with, Andy McCluskey (OMD) and worked internationally as a producer.  Communication reloaded Originally released in 2000, the programmatic track »15 Minutes of Fame«was the first single Bartos released and was an exciting peek into the world that was his upcoming full album. Inspired by Andy Warhol’s statement, “In the future, everybody will be world famous for 15 minutes,” Bartos used this as a template to comment on the increasing rise of celebrity culture unleashed by casting shows, reality TV programs, cooking contests etc. As Warhol had predicted and Bartos also tapped into, anyone could, and was becoming, famous, whether it was through singing, dancing, cooking, losing weight or surviving in a fake jungle. Things reached a stage in which there was no difference anymore, whether it's Princess Diana or some C-list celebrity that the paparazzi is chasing, it's all about grabbing that photo. Communication takes this theme and societal observations further by focusing them through multiple aspects, of what Bartos calls our “new media reality”. »I’m the Message« is the Corporate Identity song for Bartos’ audiovisual live show. Bartos’ work should be received and understood in this way too, as it is an amalgamation, and presentation, of both sound and vision. A heavy force in both the world of music and film, Karl Bartos has been presenting his live show, which includes his own self-directed films, on an international scale since 2000. Exclusively for the release of Communication, Bartos developed a pictographic visual language that the Hamburg-based agency, Weissraum, then further adapted for a variety of formats. Pictograms were the best fit for Bartos' idea of graphic visualisation since they impart information through simple symbols. Weissraum also directed the pictographic animated video for »I'm The Message«. The agency subsequently garnered numerous international awards for their design and communication work. Just like with »I'm The Message«, the track »Interview«is also dedicated to celebrity culture, however this time expressed through a randomized Dada text as though zapping between TV channels. »Cyberspace« and »Electronic Apeman« deal with electronic media, expressed and depicted using an almost romantic musical language. »The Camera«, »Another Reality«and »Ultraviolet« comment on the influence and impact of photographs and movies within mass media.                          Looking back, but forwards  Communication isn’t simply just a re-release. It is the reloading of an overlooked electro-pop classic that is arguably more topically relevant today than when it was first released, such was the foresight displayed some thirteen years ago. Most impressively however, is that this re-release comes without any loss of musical power, and Bartos’ sense of joy in making the music is still palpable. Fittingly, the audience reactions at his recent shows have mirrored this, having been met with intense enthusiasm. A further reason why Communication is more than just a re-release is because the album documents and proves that Bartos has created his own musical language ahead of, and independent to, the cultural zeitgeist or anything resembling a fleeting fashion. Even though it was released ten years prior, Communication also connects seamlessly to Bartos’ latest and critically acclaimed album, Off The Record (2013). Simply put: Communication is the reintroduction of timeless statement. “It is not the business of music to be fashionable. The meaning of music is to bring people together.” (Karl Bartos, 2016)Das erste, wirkliche Soloalbum des Ex-Kraftwerkers Karl Bartos nach Zusammenarbeiten und Veröffentlichungen mit Bernard Sumner (New Order), Johnny Marr (The Smiths) und Andy McCluskey (OMD). 2003 kam "Communication" in die Läden und damit 13 Jahre nach Bartos’ Ausstieg bei den legendären Düsseldorfer Elektronikern, deren Mitglied er von 1975 - 1990 war. Dort zeichnete er u.a. verantwortlich als Co-Autor für "Das Model", "Die Roboter", "Taschenrechner", "Computer Liebe", "Tour de France", "Neonlicht", Nummern", "Metropolis", "Der Telefon Anruf" und "Musique Non-Stop".2016 nun, wiederum 13 Jahre später, erscheint das Album, komplett remastert und mit dem Bonustrack "Camera Obscura", erneut. "Communication" ist jedoch keine bloße Wiederveröffentlichung. Es ist der Reload eines Pop-Klassikers, der heute thematisch aktueller ist denn je. "'Communication' handelt davon, wie Bilder unsere Sicht auf die Welt bestimmen und wie sich durch elektronische Medien die Inhalte unserer Kultur verändern", so Bartos anlässlich der Veröffentlichung im Jahr 2003. 2016 hat dieses Thema an Dringlichkeit und Wahrhaftigkeit nichts eingebüßt. Ganz im Gegenteil. Heute ist die Medienwelt, die das Album beschreibt, so alltäglich geworden, dass ihre Wirkmächtigkeit gar nicht mehr wahrgenommen wird. Spannend: Obwohl zehn Jahre früher erschienen, kann "Communication" energetisch nahtlos an Bartos' gefeiertes letztes Album "Off The Record" (2013) anschließen

Das erste Livealbum der nostalgischen Swingband. Drei Jahre nach dem ausgezeichneten Studioalbum „Musik für schwache Stunden“ und nach fast 80 Konzerten liegt nun das allererste Livealbum von Ulrich Tukur und den Rhythmus Boys vor. Dieses akustische Schmuckstück ist die treffliche Zusammenstellung verschiedener Konzerte, in denen die Jungs alles gegeben haben, zu dem sie musikalisch fähig sind. Konzertmitschnitte sind immer ansprechender als Studioaufnahmen. Sie sind inspirierter, druckvoller und vor allem unverfälscht, denn ein verpatztes Gitarrensolo von Herrn Mayer, ein kläglicher Misston auf der Bassgeige von Herrn Märtens und eine rücksichtslos zugetrommelte Kunstpause von Herrn Mews sind nicht mehr zu beseitigen, tragen aber zur Lebendigkeit einer Aufnahme bei, die der Maestro am Mikrofon, der große Schauspieler und Sänger Ulrich Tukur, niemals verunstalten könnte: Sein Klavierspiel ist stets fehlerlos und der Gesang immer silberhell und ohne Makel. Wer´s glaubt….Neben bekannten Liedern finden sich hier auch solche, die die Band noch nie für Studioalben eingespielt hat.

Mit "Scheiß Leben, gut erzählt" erreicht Olli Schulz nun die Apotheose seines Lieder-machertums. Nie lagen Götterdämmerung und Erleuchtung so überraschend nah bei-einander, nie verzahnten sich herzzerreißende und sphärisch-fröhliche Kabinett-stückchen so geschmeidig wie auf dieser Langrille. Das Format des Albums, von Schulz selbst mitunter angezweifelt und in dunklen Stunden totgesagt, erlangt nun unter des Meisters Hand eine unerwartete neue Blüte. He did it again!“(Julian Burmeister)Als Gäste dabei (in der Reihenfolge ihrer Auftritte):Max Schröder, George Lindsay, Ali As, Linda Zervakis, Gisbert zu Knyphausen, Friedrich Paravicini, Polly, Olli Dittrich, Bjarne MädelAufgenommen und produziert von Moses Schneider im Transporterraum. Gemischt von Swen Meyer im Festland Studio. Mastering von Michael Schwabe, Monoposto.

Durchbohrt von der Traumwelt (vs. Wirklichkeit)Ein plötzliches Luftholen – du kannst nicht mehr atmen – der RauschDu tanzt Walzer mit deiner eigenen Traumwelt – in einer Form von TherapieTräume können dich kaltmachen – oder sie werden zu einer QuelleLerne sie anzuzapfen, lass sie bluten, in einem Zustand fernab der Kontrolle... Wassertropfen auf die Oberfläche.Der Regen fällt sanft, Autos brummen, darüber das Zwitschern der Vögel, du bist in einer Höhle, umgeben von lauwarmen, blauen Kokons. Eine Säge dröhnt mechanisch, die schweren, kathedralen Akkorde wühlen und wabern unheilvoll. »Es riecht nach Regen«– die Worte setzen sich auf der Gänsehaut fest, stoßen auf Schweizer Glocken, umwoben von der maritimen Harmonie der Bretagne – um dich zu beruhigen, um dich zwischen die Länder zu führen. Dein Aufenthaltsort ist unklar, auch wenn die melancholische Stimme einen Rahmen zeichnet.Messers aktuelles Album, JALOUSIE, fühlt sich an wie eine Sammlung von kurzen, schnellen Erzählungen, die aus den albtraumhaften Untiefen von Sänger und Texter Hendrik Otremba an der Oberfläche in die treuen Arme von Milek, Wulf, McCartney und Chittka finden. Dort ist die ganze Welt eine Bühne. Unser Protagonist dreht sich einem monotonen Bohrer gleich durch die sich stetig verändernden Szenarien, welche das meisterhafte Quartett ihm zeichnet, massiert unseren ganzen Körper, legt unsere unterbewussten Ängste frei, knetet die verklumpten Brocken unserer alltäglichen Ängste. Während er sich mit den Wahrheiten seiner und deiner Wirklichkeit beschäftigt, segelt er auf den stürmischen Meeren der vierzig Finger durch eine Reihe unverbundener Träume: Wir hören von Liebe, von Leidenschaft und Angst – und von der Abneigung eines Deutschen gegenüber seiner eigenen Herkunft (Schwarzer Qualm).Das Quintett lullt dich in einen Traumzustand, zieht dich in sein eigenes Drehbuch, schließlich ergibst du dich ihnen, schmiegst dich an sie, dort in ihrem Boot, die Arme schlaff, aber der Geist hellwach. »So sollte es sein«– versichert eine Stimme, während Messer die Rauschgiftnadel in deinen Arm stechen. Verheddert und etwas durcheinander wird die Jalousie schließlich hochgezogen; Zeit, diese Wahrheiten ein wenig näher zu untersuchen, sie aus unserem Unterbewusstsein heraus um die Röhren einer allzu privaten Sphäre Slalom laufen zu lassen.Richte dich nach den helleren Klängen:elektrische Gitarren liefern in ihren Echokammern die Knochen des Sunset Boulevard, verwachsen mit den kleinen Harmonien des Meeres. Ein lebloser Körper wird von Otrembas Stimme bewegt, der Sänger tanzt mit der bildhaften Figur. Sie könnte alles symbolisieren: eine verlorene Liebe, Schmerz, ein gewisses Verlangen, ein Vermissen, eine Entbehrung. Der Körper einer Vogelscheuche. »Wer sagt denn ich sei leer / Bin ich doch voll von deiner Liebe«– sagt er ... aber um wen zu überzeugen? Die anderen Paare tanzen Walzer; ein undeutliches Bild, kurz liegt die Welt in Ruhe, pausiert für einen Augenblick. Ganz in Trance in ihre eigenen Leben versunken, bewegen sich die Paare zur summenden Trommel, bemerken weder ihn noch seine leblose Braut. Es geht weiter, gerade als er langsamer wird – um nachzudenken, um sich zu entscheiden, diesen Tanz zu beenden.Kaum merklich wechselt die Szene, nahtlos verändert sich die Kulisse. Der musikalischen Leitung ohne Gnade ausgeliefert wechselt der Protagonist seine Kleider, wobei sein blasser, lebloser Ausdruck unverändert bleibt, sein Mund im selben Rechteck verharrt, durch das er maßvoll ausatmet. Unbequem läuten die Glocken über angenehmeGitarrenriffs und tropische Flächen. Nun ist der Rahmen abgesteckt: eine exotische Insel wie aus einem frühen James Bond-Detektivroman; wir befinden uns in einem Theaterstück, ein Theaterstück des Lebens, aus dem Leben des Erzählers – die Mitte stimmt, aber darum liegen Lügen.„Hört das Trommeln der Knochen, seht, wie sie auf dem Grab der Welt tanzen; ein Albtraum zu Halloween, und er der Zirkusdirektor dieser Apokalypse. Hört die Erzählungen des Verliebens und Entfremdens, wiegt euch kurz sicher in einer trügerischen Behaglichkeit, nur um gleich darauf wieder die Flucht zu ergreifen.“In Ähnlichkeit beobachten wir die Welt, während das Leben weitergeht, erkennen darin, wie sich die unsere von der seinen Welt unterscheidet: in Entscheidungen, in Wahrheiten, in Verletzungen und Schmerzen. Die Stimme geht hoch, fast manisch, als unser Spieler seinen Kopf verliert; keine Bruststimme, kein Herz mehr. Die Schreibmaschine rattert, während er seine Umgebung dokumentiert, ein Zeichen der Zeit; die Gitarre klingt nach einer Sirene, die Erzählung konzentriert sich mal mehr und mal weniger auf den Protagonisten. Überwältigt und gleichzeitig desinteressiert vom ständigen Strom wird die Figur zur Stimme des Verstandes und der Autor unser aller Lehrer. Er hat die Welt gesehen, Schmerz ausgehalten, den leichtsinnigen Jugendlichen gespielt. Rollen verändern sich und drehen sich um; ein Gejagter wird im Kreislauf des Lebens zum Jäger.Außer Atem findet die Vorstellung ihr Ende, abrupt und mit sonnigen Akkorden, sanft vergiftet an der Realität, mit von Tinte schwarzen Fingern – wieder allein mit diesen Bildern im Kopf kippen sie langsam zur Seite.               Über die Autorin:Annika Henderson ist politische Journalistin, die 2010 unter dem Namen Anika mit Geoff Barrow und seiner Band Beak auch musikalisch auf der Bildfläche erschien. Dieses Jahr erscheint das Debüt ihrer neuen Band Exploded View auf Sacred Bones Records. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin und Bristol.Wissenswertes zu Messer:Messer haben sich für ihr drittes Album »Jalousie« viel Zeit genommen. Nach der Veröffentlichung der ersten beiden Alben »Im Schwindel« (2012) und »Die Unsichtbaren« (2013) spielte die Band zahlreiche Konzerte, reiste nach China und ließ sich auf ein paar Begegnungen mit dem Theater ein. Auch musikalisch wollten sich Messer neu orientieren. Die Zeichen standen also auf Veränderung, als sich die Gruppe in einemlangen Prozess dem Schreiben neuer Stücke zuwandte. Und diese Veränderung geschah gleich auf mehreren Ebenen: Gitarrist Palle Schaumburg verließ die Band; Multiinstrumentalist Milek (A.M. Thawn, Dein Rauschen) kam hinzu, spielt nun bei Messer neben der Gitarre auch Synthesizer; Manuel Chittka (Love-Songs), der die Band schon länger mit seiner Perkussion live begleitet, wurde als permanente Klinge ein fester Bestandteil des Songwritings, ist mittlerweile mit Philipp Wulfs treibendem Schlagzeugspiel eng zusammengewachsen, Bassist Pogo McCartney wandte sich vermehrt der Orgel zu – und auch Hendrik Otremba, der zu deutlich mehr Melodie gefunden hat, lässt in seinen Texten eine gereifte, literarische Sprache sprechen. Kurz gesagt: Die Gruppe Messer hat sich entwickelt. So sind die Songs auf ihrem dritten Album »Jalousie« vielschichtiger, musikalisch verspielter, machen komplexere Motivwelten auf und lassen immer wieder neue Entdeckungen zu.»Jalousie« haben Messer, die mittlerweile über Münster, Rheine, Hamburg und Berlin verteilt leben, in einem länger als ein Jahr währenden Prozess unter der Regie ihres langjährigen Begleiters Robin Völkert und durch Bassist Pogo McCartney selbst aufgenommen, zum Großteil auf einem alten Rittergut im Münsterland mitten im Grünen, aber teilweise auch in ihrem eigenen Studio am Hafen von Münster, gemischt wurde schließlich von Tobias Levin und Hannes Plattmeier im Hamburger Electric Avenue Studio. Dabei haben Messer ein paar (musikalische) Freunde eingeladen: Jochen Arbeit (Einstürzende Neubauten) ergänzt etwa So sollte es sein durch seine signifikante Klanggestaltung, Micha Acher (The Notwist) trägt mit seiner Trompete gleich bei mehreren Stücken zur Filmnoir-Atmosphäre des Albums bei, Stella Sommer (Die Heiterkeit) und Katarina Maria Trenk (Sex Jams) gehen mit Hendrik Otremba eine gesangliche Symbiose ein.Herausgekommen sind elf Stücke, die gänzlich unterschiedliche Stimmungen einfangen und trotzdem alle dieselbe Signatur tragen: Messer steht unter ihnen geschrieben, in geschwungener Handschrift. Gemeinsam blicken die Musiker durch die das Cover zierende Jalousie –oder stehen sie im Dunkeln dahinter?

20 Jahre Ulrich Tukur & Die Rhythmus Boys - das Studioalbum zum Jubiläum!"Was zwanzig Jahre hält, wird schließlich gut. In der Brandung musikalischer Beliebigkeiten, ewiger wechselnder Stile und Moden, stehen sie da wie ein Fels des eleganten Geschmacks. Sie sind gereift wie ein alter Käse, dessen Schimmelbefall kein Zeichen von Fäulnis, sondern von geschmacklicher Abrundung und Vollendung ist. Und sind mit den Jahren nur immer besser immer geworden: Ulrich Tukur & Die Rhythmus Boys. Eine Formation, deren musikalische Könnerschaft und optische Attraktivität alles in den Schatten stellt, was auf einer Bühne zu sehen war. Mit einer ordentlichen Portion Humor und Spielfreude ausgerüstet, offeriert das Quartett eine Reise in die Zeit der Tanzpaläste und Zirkusvarietes, einer längst vergangenen Musik- und Unterhaltungskultur der 1920er bis 1940er Jahre. Die Geschichte der populären Musik müsste umgeschrieben werden, denn unsterbliche Melodien werden Sie ganz anders hören oder gar nicht erst wiedererkennen. Sie sind schräg, doch sie schrammen immer noch so gerade am Desaster vorbei. Jazz und Swing werden in verblüffenden Arrangements neu interpretiert und lassen erahnen, dass die Geschichte der Musik einen ganz anderen Verlauf genommen hätte, wäre diese famose Formation nur viel früher auf den Plan getreten." Ulrich Tukur

Die Band des bekannten Schauspielers leidenschaftlich und international.Wenn die Sonne hinter den Dächern der Stadt versinkt, wenn sich Eiswürfel mit Spirituosen vermengen und die Welt kurz den Atem anhält, bevor die nächtlichen Lichter leuchten, dann ist sie da, die schwache Stunde. Für diese traumhafte Zwischenzeit liefern Ulrich Tukur & Die Rhythmus Boys die passende musikalische Begleitung. "Musik für schwache Stunden" ist das erste Studioalbum der eleganten Tanzkapelle um den bekannten Musiker und Schauspieler seit "Morphium" von 2003. Die Musik schmeichelt und schwingt in Liedern wie "Liebling, was wird nun aus uns beiden" und "Über den Dächern der großen Stadt". Sie ist aber auch leidenschaftlich wie in den Liedern des italienischen Chansonniers Domenico Modugno, gleich drei davon haben die Jungs eingespielt. International bleiben sie mit dem englischen Music-Hall-Titel "The Continental" von 1934, dem amerikanischen "Everybody Loves My Baby" (1932) und Charles Trenets "Que reste-t-il de nos amours" (1942). So werden selbst schwache Stunden zu einem einzigartigen und unvergesslichen Erlebnis

Rechtzeitig zum 20. Bandjubiläum erscheint das lange nicht erhältliche dritte Studioalbum des Quartetts aus dem Jahr 2003 um den Schauspieler, Musiker und Autor Ulrich Tukur nun auf Trocadero. Das Album kommt in der Original-Ausführung als Digipak mit Booklet, und wurde von Chris von Rautenkranz behutsam und geschmackssicher im Soundgarden Tonstudio remastert.

Rechtzeitig zum 20. Bandjubiläum erscheint das lange nicht erhältliche zweite Studioalbum des Quartetts aus dem Jahr 2001 um den Schauspieler, Musiker und Autor Ulrich Tukur nun auf Trocadero.Das Album kommt in der Original-Ausführung als Digipak mit Booklet.

Messer sind wieder da. Nach dem schweren, dunklen Album »Jalousie« von 2016 ging die jetzt als Quartett spielende Band an die Arbeit zu ihrer mittlerweile vierten Platte, die ein paar neue Wendungen nimmt – doch das ist Zukunftsmusik, das Album erscheint zu Beginn des nächsten Jahres. Einen Vorgeschmack gibt es jedoch jetzt schon, eine Single mit zwei neuen Stücken erscheint auf dem Hamburger Label Trocadero, kurz nach dem zweiten Roman von Sänger Hendrik Otremba (»Kachelbads Erbe«). Und der bringt die neue Musik dann gemeinsam mit Pogo McCartney, Milek und Philipp Wulf im Zuge einer kleinen Herbst-Tour auf die Bühnen. »Anorak«, die A-Seite, zeigt eine neue Seite der Band, der dubbige Song setzt mehr denn je auf Groove, legt sogar ihre Reggae-Affinität offen, während die B-Seite mit »Die Furcht« eine andere, verschlossenere Facette aufzeigt und zugleich den immer schon präsenten Hang zu sphärischer, elektronischer Musik betont. Textlich erzählt »Anorak« von einer (fiktiven?) Begegnung, irgendwo zwischen Traum und Wirklichkeit, wohingegen »Die Furcht« viel konkreter wird, die unterschiedlichen Intensitäten des titelgebenden Zustands auslotet. Die neuen Klänge von Messer wirken dabei insgesamt ein Stück weit einladender, vielleicht, weil durch die zahlreichen Variationen der Zwischentönen eine größere Gefühlswelt entsteht, als man das von der 2010 gegründeten Gruppe bisher gewohnt war. Bei all dem bleibt der energetische Ausgangspunkt der Entwicklung erkennbar. "Was zunächst klingt, als lande da ein Raumschiff in einem alten Film, zeigt sich schnell als die neue Single der Gruppe Messer: 'Anorak' heißt der erste Vorbote auf das neue Album ’No Future Days’ Anfang 2020, und Messer finden in dem Stück, das von einer diffusen Begegnung zwischen Traum und Erinnerung erzählt, einen neuen Groove. Die B-Seite dann nimmt das Tempo raus, 'Die Furcht' skizziert in dubbigem Gewand verschiedene Dimensionen der Unsicherheit.“- Hendrik Otremba

Das Album von 1998 - ursprünglich durch XXS Records veröffentlicht - erscheint jetzt erstmalig auf Vinyl! Neben dem Titeltrack Inklusive der Songs „Als einer einmal nicht kam“, „Meine Ecke“, „Neuer Anzug“, „Fisch im Maul“, „Sie wollen uns erzählen“ und „Mann ohne Schmerzen“. Das frische Vinyl-Mastering hat Chris von Rautenkranz (Soundgarden) übernommen, das Vinyl kommt im klassischen schwarz.

Für viele Musiker ist der Schritt aus dem Kollektiv ein riskantes Manöver: Wie nämlich nehmen Band und Publikum die Entscheidung auf? Hendrik Otremba, Sänger der Gruppe Messer, stellt nun sein Soloalbum vor. Er hat es Riskantes Manöver genannt – aber nicht aus dem genannten Grund. Längst hat er sich als eigenständiger Künstler etabliert, hat als Maler, Autor und Performer stets auch zur Identität von Messer beigetragen, die gerade obendrein an einem neuen Album arbeiten – dieses Soloalbum kündet also nicht von Zwist. Wenn etwas verblüfft, dann vielleicht eher, dass Otremba nicht erneut in ein neues Medium aufbricht, sondern dorthin zurückgeht, wo alles anfing: zu den eigenen Songs, die bisher im Verborgenen lagen. Riskantes Manöver ist dabei kein Aufguss des Bekannten, aus Ennui oder Eitelkeit. Viel eher tritt der Songwriter Hendrik Otremba an die Öffentlichkeit, der sich parallel zu Messer entwickelt hat. In den vergangenen zwölf Jahren nimmt er Demos auf, experimentiert, geht intuitiv vor und findet zu einer eigenen Sprache, aus der er nun mit zwei engen Freunden ein Album ausgearbeitet hat: MultiInstrumentalist Alan Kassab, ein Schulfreund Otrembas, und Kadavar-Schlagzeuger Christoph ‚Tiger‘ Bartelt, schon Produzent des Messer-Debuts. Gemeinsam nähern sie sich den Demos wie einem Skript und schaffen so eine Art auditiven Autorenfilm. Im Zentrum steht eine kreative Vision, die von virtuosen Technikern und begnadeten Darstellern umgesetzt wird – neben der Kern-Crew gehören dazu Stella Sommer, Alex Zhang Hungtai (Ex-Dirty Beaches, der Otremba überhaupt erst dazu inspirierte, ein eigenes Album zu schreiben), Gregor Schwellenbach, Friedrich Paravicini, Dominik Otremba (aka Performance) – aber auch Tochter Hedi und mehr als ein Dutzend weitere Kreative zwischen Indie-Adel, Hochkultur-Bagage und Jugendfreunden. Doch nicht nur durch sein Casting-Gespür und weitere direktive Entscheidungen überzeugt Otremba, sondern vor allem mit Musik, die durch ihre Weite und einen eigensinnigen erzählerischen Ansatz gar filmisch wirkt: Als zarter Chansonier schleicht Otremba durch die Streicherschluchten von New York II, geifert als Apokalyptiker in Nektar Nektar vor Blastbeat und heulendem Saxofon, findet in der sinophilen Klavierballade Bargfeld aber auch zu Ruhe und Intimität. Brachialen Proto-Industrial und dröhnenden Goth meistert Otremba ebenso wie epischen Pop oder Großstadt-Country; hier öffnet ein MusikEnthusiast sein vielseitiges Portfolio, in dem er als Sänger und Performer zugleich eine neue Bandbreite entwickelt. In sein Rollen-Inventar führt Otremba zudem die Figur '66 ein, ein „Zeuge des zivilisatorischen Niedergangs“ und eine Art Erzählstimme, durch deren Perspektive wir auf das von Katastrophen und Verlassenheit geprägte Geschehen des Albums blicken. Otremba tritt als '66 maskiert auf, zu sehen etwa auf dem Cover der Riskantes Manöver Doppel-10-Inch. Was die Bandagen bedeuten, bleibt unklar – ein weiterer, rätselhafter Eintrag in Otrembas Privatmythologie, bestehend aus Namen, Zeichen, Bildern, die sich durch sein gesamtes Werk erstrecken. Riskantes Manöver öffnet darin nicht nur eine neue Facette, der Titel fasst zugleich das Ethos eines Arbeitens zusammen, „das nicht auf Relevanz oder Erfolg gepolt ist“. Gerade, wenn dabei immer wieder Gegensätze vereint werden müssen, die an dem Menschen dahinter zerren: „Das riskante Manöver ist mit den Widersprüchen zu leben und sie im eigenen Schaffen stattfinden zu lassen. Lust und kreative Ambition als was Positives zu begreifen in einer Situation, wo das, was ich sehe, eigentlich für das Gegenteil spricht, abgründig, negativ, dämonisch ist.“ In diesem Sinne ist hier ein Monolith von einem Album geschaffen, der sich zugleich machtvoll und zart aufstemmt, wie es im Untertitel der Platte heißt: „gegen die Verachtung der Gegenwarth“! Sebastian Berlich

Das Debütalbum von 1997 - ursprünglich durch XXS Records veröffentlicht - erscheint (...unglaublich, aber wirklich wahr…) zum 25-jährigen Jubiläum erstmalig auf Vinyl! Inklusive der Songs "Der richtige Ort", „Im Schatten“, "Runter von meinem Pferd“, „Vielleicht“ und „Du kennst mich nicht“. Das frische Vinyl-Mastering hat Chris von Rautenkranz (Soundgarden) übernommen, das Vinyl kommt im klassischen schwarz.

One Song Compilation zum 50. Jubiläum!1966 hatte er mit dem selbstgeschriebenen ”Sunny” seinen größten Erfolg. Hebb`s Song wurde ein Welthit, avancierte zum Popklassiker und Evergreen, und zum meist gecoverten Song des 20. Jahrhunderts. Es soll über 2000 (!) veröffentlichte Versionen von "Sunny" geben.Obwohl er eigentlich von Philadelphia aus arbeitete, hielt Produzent Jerry Ross die Sessions für Philipps in den New Yorker Bell Sound Studios ab und heuerte dafür einige der besten Studiomusiker an, darunter die Gitarristen Vinnie Bell und Eric Gale. ”Für den Background-gesang engagierte ich Nickolas Ashford, Valerie Simpson und Melba Moore”, erzählte Ross. Als Arrangeur heuerte er Joe Renzetti an, einen früheren Sessiongitarristen aus Philadelphia.  Von den Songs, die am 21. Februar 1966 im Bell Sound New York eingespielt wurden, war ”Sunny” überraschenderweise erst zuletzt an der Reihe, und sollte eigentlich gar nicht aufgenommen werden. Es war aber Studiozeit übrig.Im November 1963, einen Tag nach der Ermordung John F. Kennedys, wurde Hebb´s Bruder Harold vor einem Nachtclub in Nashville erstochen. Doch anders als die Legende besagt, waren diese Tragödien für die Entstehung von ”Sunny” wohl nicht, oder zumindest nicht alleine das ausschlaggebende Moment. Wie der Kampf um die in der Zeit blühende Bürgerrechtsbewegung und diverse private Rückschläge waren vermutlich aber auch diese Erlebnisse Teil von Hobbys Motivation. In einem Interview sagte Hebb, die wesentliche Inspiration sei ein violett leuchtender Sonnenaufgang nach einer langen Nacht in New York gewesen.

CAMPING, das 3. Studioalbum der Gruppe CANDELILLA. Aufgenommen und abgemischt von Hannes Plattmeier und Tobias Levin, der auch produzierte, und geschrieben über 2 Jahre auf dem weiten Weg zwischen München und Hamburg.  Und doch scheint es, als wäre diese Platte immer schon genau so da gewesen. Als hätten diese 10 Songs in all ihrer schillernden und wutentbrannten Schönheit nur darauf gewartet, dass jemand sie abholt, aufschreibt und auf die Record-Taste drückt.  CANDELILLA, immer schon mehr interdisziplinäres Kollektiv als bloße Rockband, erdacht in einem München, das man irgendwo zwischen dem Paris der Situationisten, dem Washington DC eines Ian Svenonius und dem New York City Valerie Solanas verorten kann. Performance, Poesie, Politik, und Liebe als Haltung. Und vor allem diese nicht zu bändigende Wut und unglaubliche tightness, die sie schon seit langem zu einer der intensivsten Live Bands des Landes macht. Ihr letztes Album, aufgenommen in Chicago mit Produzentenlegende Steve Albini, hatte diese Energie schon eindrucksvoll auf Platte gebracht. 4 Jahre später jedoch gehen CANDELILLA noch einen Schritt weiter. CAMPING ist keine Pop-Platte geworden, sie forscht viel eher nach den Möglichkeiten von Pop innerhalb des Kosmos CANDELILLA. Geht an Grenzen, tastet sie ab und observiert sie, ohne diese aber je zu überschreiten. CAMPING zeigt eine Band, die sich ihrer selbst so gewiss ist, dass sie sich neu erfinden kann, ohne auch nur eine Spur des Alten zurücklassen zu müssen. Eine Gitarre wie ein Schrei, dann ein tröstender Klavierakkord, der eine Kadenz einleitet die über 2 Minuten Erwartungen weckt, aber nicht einlösen wird. So beginnt CAMPING mit dem euphorischen Instrumentalstück „Augen“, ganz als hätten sich Joy Division das Klavier von Talk Talk`s Colour of Spring geborgt. Die Gitarre hat sich in einem Feedback-Loop gefangen, während die Akkorde sich scheinbar endlos weiterbewegen. Das Ziel ist erst erreicht, wenn sich alles in dem ersten Wort der Platte gipfelt: Überprüfen. Man zuckt kurz zusammen. Die Stadt, durch die ich laufe, wird ganz still und ich beginne meine Schritte an die Musik anzugleichen. Wenn Mira Mann manisch 33 Muskeln, 27 Sehen wiederholt, spüre ich jede einzelne davon. Augen, Hand, Sehnen, Muskeln. Es ist ganz zu Anfang schon alles eingeführt, was sich durch die weitere Platte ziehen wird: Körper werden seziert und immer wieder mit anatomischer Strenge in ihre Einzelteile zerlegt. Erst das Stück „Ruhig draußen“ benennt zum ersten Mal einen Körper in Einheit, ja wartet sogar mit der Bekenntnis auf: ich mag deinen Körper. Nur um gleich zu relativieren: Er hat eine schöne Oberfläche. Der Körper wirkt auch hier wieder eher wie ein Forschungsobjekt, alseines der Begierde, oder wie es in dem Text heisst: Du sendest News die mich interessieren. Ich beobachte dich einen ganzen Tag. Die Körper auf CAMPING atmen, spucken, tasten, kotzen. Aber sie bleiben Bodies without properties. Körper ohne Eigenschaften. Meine Augen leuchten, sie erzählen nichts. Und dann der Titel: CAMPING. Auf den ersten Blick scheint er irritierend. Was will er bedeuten, wohin will er uns führen? Ich kann den Begriff zunächst nur als Anklage begreifen. Ich denke an Susan Sonntags berühmten Text „notes on camp“, in dem sie das Wort „camping“ abfällig als jene Form der Tä tigkeit versteht, die die vorsä tzliche Produktion von „camp“ zum Ziel hat. Eine bewusste Einführung einer Haltung, die in Hinblick auf den Inhalt neutral ist und sich dem bloßen Stil hingibt. Oder wie Sontag schreibt: Der Sieg des „Stils“ ü ber den „Inhalt“. Ganz wie einer der ungewöhnlichsten Songs auf diesem Album in seiner kristallinen Schönheit dem besungenen Paar am Pool mehr einen way of life zuschreibt, als Leben an sich zuerkennt: Sie liegen an einem Pool. Die Welt steht still. Und ist CAMPING nicht auch die deutscheste aller Urlaubsarten? Der Traum vom mobilen Zuhause, der von der idealisierten Vorstellung einer Flucht aus dem Alltag lebt. Und macht CAMPING diese Flucht nicht eigentlich unmöglich, weil der Schritt von zu Hause wegzufahren in Wahrheit nie gewagt, nein, nicht einmal gewollt wird? Eine rein oberflächliche Auseinandersetzung mit dem Neuen, immer nur einen (Rück)Schritt entfernt vom wohligen Zuhause? Unbedingt unterwegs sein wollen, bloß um sich am Ende: keinen Zentimeter (zu) bewegen. Aber könnte man den Begriff nicht auch positiv besetzen? Man müsste das Konzept von CAMPING wohl etwas allgemeiner fassen. Denn im Grunde bedeutet es doch auch: überall zu Hause zu sein. Sein Zuhause immer mit sich zu tragen. Das Gegenteil des all inklusive Gefängnisses, das wir Leben nennen. Das unbedingte Beharren darauf, dass Heimat transportabel zu sein hat und an keinen Boden dieser Erde gekoppelt sein kann. Und so campen CANDELILLA im letzten Song dieses überragenden Albums auch in der Wüste, in einer unkontrollierbaren Landschaft, die nachgibt unter jedem Schritt. Die sich verändert und zusammen zieht, wie ein auf Sand gebautes Zuhause. Es gibt etwas das unkontrollierbar für mich ist, dahin gehe ich. Etwas das unkontrollierbar für mich ist, ich nenne es Wüste.Und vielleicht sind am Ende all meine Fragezeichen, die eigentliche Intention dieser außergewöhnlichen Band. Ganz so wie all diese Akkordfolgen sich partout nicht auflösen und all diese Wörter partout in keinem Satz gefangen sein wollen: Eine Irritation, ein Spiel, eine Ahnung: tomorrow i will love a new face of you. Andreas Spechtl, Herbst 2016

Wo ein Krater liegt, muss es einen Vorfall gegeben haben. Etwas ist eingeschlagen oder ausgebrochen, wo jetzt Ruhe ist. 2012 spien Messer ein fiebriges Debüt in die brodelnde Begeisterung für Punk aus Deutschland und wuchsen zu einer prägenden Stimme im Post-Punk-Revival der Zehnerjahre – vermutlich gerade, weil sie bis heute quer zur Gegenwart liegen, sie zwar im Blick haben, streifen, aber eben nicht in ihr aufgehen oder sich von ihr treiben lassen. Zahlreiche Rockbands reden sich so ihren Stillstand schön, wo die Gruppe Messer der Glaube an das Format Band nach vorne bringt. Vier Menschen – Pogo McCartney, Milek, Hendrik Otremba, Philipp Wulf – die immer wieder zusammenkommen, aus ihren Leben und sonstigen kreativen Arbeiten, mit neuen Bekanntschaften und Impulsen, um auszutarieren, wie ihre gemeinsame ästhetische Vision eigentlich gerade aussehen kann. Dem neuen Album ist die Feier dieses Konzepts anzuhören. Vermutlich auch, weil das Album eine Phase der Reorganisation abschließt, die auch zuletzt auf No Future Days (2020) noch in vollem Gange war: Nach Jalousie (2016) nämlich fand sich die neue Viererbesetzung bewusst ohne Gäste und erstmals komplett eigenständig produziert in einem Richtung Dub und Funk verschobenen Sound ein. Was auf den letzten beiden Platten noch wild wucherte, ist nun stärker begriffen und gibt zugleich Sicherheit für weiterführende Expeditionen. Eine Kratermusik ist entstanden! Die einzelne Idee ist schärfer konturiert als zuletzt, Kratermusik ein Album im Wortsinn: Jede Seite ein anderes Bild, eine andere Szene mit anderen Figuren, zusammengehalten von einem Einband, einer Motivwelt, einem Sound, der dieses Mal dicht, aber umso detaillierter ausfällt. In einem Prozess über zwei Jahre haben Messer immer wieder Schichten auf- und abgetragen, zu denen insbesondere charismatische Synthesizer und die nun wieder zahlreichen Gäste beigetragen haben. Statt prominenter Features mit möglichst großem Social-Media-Impact setzen Freunde, Familie und Kollegen Akzente. Besonders verblüffen Philipp Wulfs Eltern Friedhild und Ludger, die Bläsersätze zu gleich drei Songs beisteuern. Ihre GameshowBuzzer-Sounds im schnittigen Schweinelobby (Der Defätist) begeistern ebenso wie die Hafenkneipen-Atmosphäre, die sie dem jazzigen Art-PopStück Kerzenrauchers letzte Nacht einhauchen, während Hendrik Otrembas Stimme in Dub verschwindet. Auch an anderer Stelle lösen sich Stimmen auf: Pola Lia Levy, die lange schon eng mit der Band befreundet ist und gerade mit ihrer neuen Band Dews in den Startlöchern steht, spendet Harmonien, die im erst sachten, dann zunehmend mitreißenden Im falschen Traum mit dem Rest der Band verschwimmen. Im Space-Dub-Finale Am Ende einer groszen Verwirrung stimmt sie mit Joachim Franz Büchner in einen beherzten Singsang ein. Was hier tröstlich klingt, wirkt im vielstimmigen Spiegel zerrissen, wenn auch nicht zwingend unheimlich – sondern ähnlich faszinierend-ambivalent wie Mille Petrozza von der legendären Thrash Metal-Band Kreator, der mit einigen englischsprachigen Zeilen durch den wispernden Refrain am Ende des Wave-Epitaphs Grabeland schneiden darf. Nicht nur hier entdecken Messer die Lust an der Pointe. Weniger im Sinn von Gags, sondern als Strukturmerkmal, als kreativer Motor: Ideen so zuspitzen wie der funky C-Part im sowieso keck betitelten Schweinelobby (Der Defätist), der an Crossover und Las Vegas denken lässt. Oder Dinge zusammenbringen, deren Ähnlichkeit sich nicht direkt aufdrängt, wie Eaten Alive, in dem Otremba erst den Perversen gibt, im Refrain mit Bruder Dominik (aka Performance) windschief die Titelzeile grummelt und darauf einen Jodler folgen lässt. Überhaupt, all die Geräusche hier, ständig ein ‚Hu!‘, ein ‚E-oh‘ oder ein beschwingtes ‚Hey!‘. Bei aller Souveränität ist Kratermusik auch eine ungezügelte, lockere Platte. Der Humor hat sich im Prozess entwickelt, passt aber zum eher kompakten Sound der Platte: Beides baut Pathos ab, lange dominanter Modus der Band. Vielleicht ist das ein Zeichen zunehmender Souveränität („Humor durch Reife“ nennt es Otremba einmal im Gespräch), womöglich aber auch ein notwendiger, zeitgemäßer Umgang mit nicht minder schweren Themen. Vergänglichkeit zieht sich durch die Texte, biografisch und abstrakt, als Erlösung und Last, eingefasst in Zeilen, durch die dann doch recht deutlich unsere Gegenwart hallt. „Frieden finden – aber wie?“ fragt eine Schülerin zu Beginn, am Ende streift eine Figur durch eine desolate Landschaft, dem Cover nicht unähnlich. Dort wirkt die karge Landschaft, deren Bewohner Schatten bleiben, kaum bedrohlich, erscheint je nach Blickwinkel sogar idyllisch. Und auch ganz am Ende des Albums steht, in Anlehnung an Leonard Cohen, ein gemeinsam geträllertes „Lalala“. Messer bleiben also ambivalent, fragend und suchend, gerade wenn es um Krieg und Frieden oder die Zukunft des Planeten geht. Die Bewegung steckt schon im Titel: Das „Messer verwandte Wort“ Krater, so Otremba, „ist vieldeutig, ein Wort, bei dem klar ist: Zu dem muss man sich verhalten. Das ist ein scharfkantiges, schroffes Wort.“ Im Krater steckt immer auch das Potenzial zur Explosion, im Frieden lauert der nächste Krieg. Im Vorrang des Ästhetischen ist Kratermusik ein typisches Messeralbum, auch in seiner gewohnten Überschreitung dessen, was Post-Punk sein kann. Vielfältiger klang diese Band nie, ihr Referenzsystem bleibt undurchschaubar. Parallel spülen die Pop-Gezeiten wieder eine (Neue) Neue Deutsche Welle an, doch Messer bleiben ihren eigenen Zyklen verpflichtet, befinden sich in ständigem Übergang: Metaphern nie ganz auflösen, Motive immer neu ausleuchten, Sounds nochmal anders aufeinander beziehen. Irgendwo in diesen zwölf neuen Songs brodelt sicher schon das nächste Thema, die nächste Verwandlung. Jetzt gilt es aber erstmal, durch die verwinkelte Kraterlandschaft zu steigen, die Messer 2024 charakterisiert – und ihren Status als herausragende Band ihrer Generation mit dicker Linie unterstreicht. Sebastian Berlich

Mit „They`ve Given Me Schrott! – Die Outtakes“ erscheint nun am 8.2. zusätzlich eine Edition als 3er CD und 5er LP (natürlich mit Downloadcode) mit den bisher nur in der Seitenhirsch-Box veröffentlichten Outtakes.Hier gibt es die Möglichkeit wieder vorzubestellen um auch garantiert bei der Erstauflage pünktlich zur Veröffentlichung bedacht zu werdenBitte erwarten Sie hier keine durchgängig hochwertige Audioqualität: Diese Raritäten sind zum Teil „Kellerfunde“ auf Basis von alten Audiocassetten oder Vinylplatten, die aufwändig „restauriert“ und neu gemastert wurden. Allerdings kann man aus einem Toaster kein Rennrad machen.

Das vierte Album - ursprünglich 2001 durch L`age D`or auf CD und Vinyl veröffentlicht - nach rund 20 Jahren endlich wieder erhältlich. Inklusive der Songs „Die Richtung“, „Ich wein` einen Fluß“, „Wie ein Schiff“, „Letzte Nacht“, „Irgendwann Regen“ und „Wenn du mich suchst“. Das frische Vinyl-Mastering hat Chris von Rautenkranz (Soundgarden) übernommen, das Vinyl kommt im klassischen schwarz.

Das Album bedeutete einen musikalischen Neuanfang für den Sänger, Texter und Gitarristen Pascal Finkenauer, der auch langjährig für Fettes Brot die Gitarre spielte. Er ging mit neuer Band in zwei kurzen Sessions ins Studio, um das Album direkt und live aufzunehmen, genau so, wie es auch auf der Bühne klingen sollte. Es erinnert an Joy Division (das Dunkle), The National (das Warme), Killing Joke (der Druck) und Interpol (die Weite), man erahnt aber auch The Cure, Bauhaus, David Bowie, The Jesus & Mary Chain, The Verve und psychedelische Einflüsse. Der Gesamtsound wirkt wie ein lebender, atmender Organismus. Dunkle Elegien, die sich zuweilen in Lärm entladen und den Hörer gefangen nehmen in ihrer fein nuancierten Dramatik, Glam bricht hier und da durch, in den laut werdenden Gitarren und der Bestimmtheit der gesungenen Sätze, aber auch leise und feine akustische Momente. Erste Konzerte mit den neuen Songs spielte er solo zu der bundesweit ausverkauften Tournee als Support zu Kid Kopphausen  Die Konzertpremieren mit Band fanden bei vier Shows als Support zu Paul Banks (Interpol) Anfang 2014 statt.

Das zweite Album der Münchner Noise-Band von 2013; produziert von Steve Albini.Die Frauen-Band aus München war in Chicago. Dort hat sie mit Steve Albini ihr zweites Studioalbum aufgenommen. "Heart Mutter" sind zwölf Songs, die zusammen ein 46-minütiges Noise-Feuerwerk ergeben. Texte: wichtig. Sound: wuchtig. Mit ihrem Zweitwerk dockten Candelilla bei der Hamburger Labelkoop Europhie/ZickZack an und stehen dort in einer langjährigen Geschichte neben zahlreichen Ausnahmekünstlern. Aber so kraklig und doch eingängig, und so schlau und doch rockig kam in diesem Land schon seit Ewigkeiten niemand mehr daher. Die vier Münchnerinnen agieren dabei auf "Heart Mutter" so dermaßen heutig, dass allen Retrojüngern die Spucke weg bleibt. Sonic Youth im Ohr, ein explosives Gemisch deutscher und englischsprachiger Versatzstücke im Kopf und eine zu verdauende Menge Wut im Bauch. Mit ihrem Sound haben Candelilla in Steve Albini den perfekten Komplizen im Krach gefunden. Pixies, Helmet, PJ Harvey, Nirvana, Iggy & The Stooges: in diese Reihe passen Candelilla, wie die Faust aufs leicht blutunterlaufene Auge.

Das fünfte Album - ursprünglich 2003 durch Trocadero auf CD und Vinyl veröffentlicht - war 15 Jahre out-of-print und ist nun endlich wieder erhältlich. Inklusive der Songs „Kein schönes Lied“, „Shuffle & Kompott“, „Niemand gibt gern auf“, „Wohin du gehst“, „Sonne nicht gesehen“ und „Talking Drum Blues“. Das frische Vinyl-Mastering hat Chris von Rautenkranz (Soundgarden) übernommen, das Vinyl kommt im klassischen schwarz.