Das zweite Album von The Sigourney Weavers, Noir, entstand im Frühling dieses Jahres, als die fünf Schweden sich in ein kleines Cottage mitten im Wald zurückzogen. In dieser entlegenen Gegend außerhalb ihrer Heimat Dalecarlia sieht der Mai etwas anders aus als in unseren Breitengraden. Nicht sehr lieblich, von Erwachen geprägt oder gar sonnig, sondern eher grau und düster. Eine Stimmungslage, die in Noir Einzug gehalten hat, auch wenn die Schweden ihrer fundamentalen Stärke treu bleiben: schnelle, rhythmische, rockige Powerpop-Hits mit Ohrwurmqualitäten.Das Besondere ist und bleibt aber die hohe Musikalität aller Bandmitglieder, die sich auf der Bühne am unmittelbarsten erleben lässt.

  Love A sezieren mit MEISENSTAAT ein krankes SystemFünfeinhalb Jahre sind eine lange Zeit. Insbesondere für eine Band, die zwischen ihren vier vorangegangenen Alben maximal zwei Jahre verstreichen ließ, weil der kreative Output so stark und die Freizeit eine enge Freundin war. „Es gibt eine Ebene, auf der Corona unserer Band nicht geschadet hat. Es hat gutgetan, nicht kontinuierlich live präsent zu sein und uns auf unsere Musik zu konzentrieren“, schlussfolgert Love-A-Sänger Jörkk Mechenbier. Nun ist Zeit kein Garant für Reifung und Entwicklung, im Fall von MEISENSTAAT dürfen wir feststellen, dass wir nicht den soundsovielten Aufguss von etwas bereits Dagewesenem hören. Dieses Album ist erstmals ausschließlich innerhalb der Band entstanden und trägt deutlich die Handschrift von Produzenten und Schlagzeuger Karl Brausch. „Wir hatten bei den Aufnahmen ein starkes Proberaumflair. Der ganze Prozess ohne Beteiligung von außen war ein totales Mit- und Füreinander“, beschreibt Mechenbier die Zeit in Brauschs Studio, Unter Null. „Das hat uns die Möglichkeit gegeben ohne Zeitdruck immer dann an der Platte zu arbeiten, wenn wir Lust und Zeit dazu hatten. Erst zum Mischen haben wir die Songs an Robert Whiteley gegeben. Er war dann auch außerhalb der Band der erste, der mit den fertigen Songs überhaupt einen Ton von MEISENSTAAT gehört hat“, ergänzt Brausch.Viel Hall hüllt speziell die Refrains ein, teils wavig muten Songs mit Delays und Echo wie späte The Cure an („Alles ist einfach“, „Klimawandel“), Gitarren werden weich moduliert, bis wir sie für Keyboards halten („Kann und will nicht mehr“, „Achterbahn“), und gleichzeitig zeigen die Drums in manchen Songs eine mitreißende, fast ungewohnte Härte („Klimawandel“, „Achterbahn“). Dominik Mercier treibt am Bass die härteren Songs vor sich her („Meisenstaat“, „Schlucken oder spucken“) und erinnert andernorts in gewohnter Lässigkeit an UK-Shoegaze („Alles ist einfach“). Pop und Fragilität schweben über MEISENSTAAT und koexistieren neben Druck und Aggression. Vielleicht könnte man sagen, Love A sind mit ihrem Sound in der Summe einen Schritt von den 1980er in die 90er Jahre gegangen. Wollen wir dem Album eine Farbe geben, trifft das Artwork von Gitarrist Stefan Weyer die Stimmung: Hoffnungslosigkeit und die Verzweiflung über Stillstand bleiben Love-A-Trademarks. In namentlicher Anlehnung an das Knochenfabrik-Debüt AMEISENSTAAT spiegelt MEISENSTAAT eine Mischung aus Zorn, Niedergeschlagenheit und Resignation wider. Dass die Band sich dabei Abwechslung gönnt, steht ihr nach über zehn Jahren ausgesprochen gut: So spielt Weyer häufiger Einzeltöne als Akkorde und der Gesang ist vielleicht eine der großen Überraschungen. An etlichen Stellen holt Mechenbier den, wie er ihn selbstironisch nennt, „Saarland-Elvis“ raus, der erstmals 2016 beim Justin-Bieber-Cover „Love Yourself“ für die Intro-Compilation „25 x 25“ zum Einsatz kam. „Früher fühlte ich mich mit meiner tieferen Stimme nicht so energievoll wie mit dem hohen Keifen“, beschreibt er die Entwicklung und singt folgerichtig in „Frag nicht“, dem Liebling des Labels: „Klingt komisch, doch ich singe diese Lieder nicht. / Bin ferngesteuert, und die Lieder singen mich.“ Über die Texte verrät der Frontmann überraschenderweise, dass sie „ihm früher viel wichtiger waren. Heute fühlen sie sich manchmal wie ein Vehikel zum Gesang an“. Überraschend deshalb, weil die Lyrics nichts an der vertrauten und geliebten Virtuosität eingebüßt haben. Eine derart präzise Beobachtung nicht nur der Unzulänglichkeiten anderer, sondern ebenso der eigenen schonungslos und sprachgewitzt zu verpacken, genießt Seltenheitswert. Beispiel gesucht? „Was sollen wir tun, wenn die Glocken läuten / und sie bitten uns um ein Gebet?Was sollen wir tun, wenn uns aus der Mitte / neue Dunkelheit entgegenweht?Was sollen wir tun, wenn Geduld zu Schwäche / und die Schwäche dann zu Hass mutiert? Was sollen wir tun, wenn sie Türen öffnen, / hinter denen sich der Abgrund verbirgt?“(Meisenstaat)

2020 war ein Scheißjahr. Das wird wohl niemand bestreiten können. Schreng Schreng & La La (Jörkk & Lasse, Esel & Anwalt) wurden von Covid-19 auf einer lange geplanten Tour durch Ostdeutschland kalt erwischt. Deprimiert und demoralisiert machtes sich die beiden nach einem gespielten Konzert auf den Weg nach Hause und hielten Abstand. Nicht nur 1,5 Meter, sondern einige Wochen. Der Esel fing das Angeln an, der Anwalt wurde erneut Vater und sortierte erstmal seinen Schlafrhythmus neu.Im Juli 2020 spielten die beiden dann ein Konzert in Hamburg, später eins in Karlsruhe. Eine Wohltat für zwei geschundene Seelen. Man hat sich doch noch lieb. Und man hat doch noch Bock aufeinander. Schnell war klar, dass es die perfekte Zeit für ein neues Album ist. Aber wie sollte das gehen? Neue Songs gab es nicht, gemeinsam ins Studio war aufgrund con Entfernung Hamburg – Düsseldorf) und sich ständig veränderten Auflagen der Länder kaum mehr möglich. 375 Sprachnachrichten später ist das Album trotzdem im Kasten. Lasse nahm gemeinsam mit Karlsson-Sänger und Produzent des Vorgängeralbums „Echtholzstandby“ Kilian die Musik auf, Jörkk traf sich mit Trixsi-Kollegen Kristian in Hamburg und schrieb an einem Abend sämtliche Texte für das Projekt 82. Dass er die Songs an diesem Abend auch noch komplett eingesungen hat sei nur am Rande erwähnt.Projekt 82 sollte politisch werden. Aber wer hat in diesem Jahr schon Bock auf Politik. Mit der ersten Single „Alukappenspacken“ ist eh alles gesagt und jedes weitere Wort wäre eh zuviel. Was aber macht Corona mit sensiblen Menschen, wie sie Jörkk und Lasse nun mal sind? Richtig, nagen. An der Psyche, an der Laune und am Elan. „Du kaputt, Ich kaputt“ handelt von dem Gefühl dieser „Kaputtheit“.„Projekt 82“ ist anders geworden als gedacht. Nachdenklicher, ruhiger und wenn man es so will auch erwachsener. Die Musik wurde übermüdet und gestresst im stillen Kämmerlein geschrieben, als die Kids endlich im Bett waren. Die Texte unter dem Eindruck wochenlanger Selbstisolation. Da war einfach kein Platz mehr für überschwängliche Wut. Dafür aber für Melancholie („Denken & Danken“), ein Lächeln („Gesichtsmuskelzerrung“) oder Selbstreflektion („Ernährungsberatung“).12 Jahre sind Schreng Schreng & La La nun schon gemeinsam unterwegs. Auf ihrem Weg haben sie fast 200 Konzerte gespielt, zwei Alben und zwei EPs veröffentlicht und dabei unzählige Abende gemeinsam an den Theken dieser Republik verbracht. Diese Band ist geprägt von gegenseitigem Respekt und einer tiefen Zuneigung zueinander. „Projekt 82“ ist das Resultat eines gemeinsamen wachsens. 

Die aktuelle Situation in den Presswerken lässt uns keine andere Möglichkeit, als unsere Preise entsprechend anzupassen, sorry! Am 25.01.2019 erscheint mit „Jade“ das neue Album von Pascow und mit dieser Platte verabschiedet sich die Band von Codierung und "kryptischer Scheiße" (Zitat Pascow). Keine Pascow Platte zuvor war inhaltlich so greifbar, fokussiert und auf den Punkt. Hier verlässt die Band ein Genre, das sie in den letzten Jahren selbst mitgeprägt hatte. Und so passieren fünf Jahre nach ihrem letzten Longplayer „Diene der Party“ auf „Jade“ Dinge, die wohl genau diese Zeit gebraucht haben.Das Album wurde in drei Wochen Studiozeit zusammen mit Kurt Ebelhäuser produziert und die Haltung und Energie der Band hört man der Platte in jedem Moment an. Pascow haben ihren eigenen Sound weiter ausgearbeitet und bei Tracks wie „Silberblick und Scherenhände“ (übrigens auch die erste Single), „Unter Geiern“, „Treck der Toten“ oder „Sturm, der durch Erlen zieht“ ist nach wenigen Riffs eindeutig klar, wen wir hören. Und dann gibt es da die Überraschungen, die Songs, in denen man die pure Spielfreude und den eigensinnigen Humor der Band spürt („Die Backenzähne des Teufels“) oder in persönliche Gefilde mitgenommen wird, die Pascow in dieser Form noch nicht preisgegeben haben, wie in „Schmutzigrot“ oder „Wunderkind“.Pascow haben ein Album aufgenommen, das in der Szene des deutschsprachigen Punkrocks mindestens Erstaunen und vielleicht sogar Unglauben auslösen wird.LP Special Edition:- Doppel LP- 2 x 180 Gramm Vinyl, schwarz- 45 rpm- Gatefold Cover aus schwerem Karton- Spezielles Coverartwork- Inside Out Cover mit zusätzlichen partiellen Relieflack auf Front und Backcover- Booklet in LP Größe- gefütterte Innenhüllen- Download CodeCD Special Edition:- 6s-Digipack mit transparentem Tray in der Mitte- spezielles Coverartwork- 16 seitiges Booklet LP Regular Edition- LP, 180 Gramm, schwarz- 33PRM- schwerer Coverkarton- Cover komplett mit UV Glanzlack überzogen- Booklet in LP Größe- gefütterte Innenhülle- Download CodeCD Regular Editon- Jewelcase mit transparenten Tray- 16 seitiges Booklet

Die aktuelle Situation in den Presswerken lässt uns keine andere Möglichkeit, als unsere Preise entsprechend anzupassen, sorry! Das berüchtigte schwierige dritte Werk: Mehr Zeit hat die Band sich für die Produktion genommen, mehr Dichte ist so entstanden. Die Punk-Wurzeln scheinen noch deutlich durch, doch längst zeichnen Indierock, Wave und Postpunk auf Jagd und Hund ein differenziertes Bild. Schwankend zwischen Hoffnung und Resignation, treffen persönliche Katastrophen auf die ganz große. Ein Stück reflektierter und reifer, ohne dabei zu langweilen. Melancholie, Dunkelheit, Trauer und Wut sind genauso Teil des Ganzen wie diese Love A-typische Portion Wahnsinn, die die Band so unverwechselbar macht. In zwölf Songs zeigen Love A auf Jagd und Hund so viele Facetten von wütend über rabiat bis melancholisch. Und immer werfen sie diesen unverwechselbaren Blick auf die Blöd- und Stumpfheit der Menschen.Was Love A mit Jagd und Hund gelingt, ist anzukommen ohne stillzustehen.

Seit mehr als 35 Jahren gehören Spermbirds zu den maßgeblichen Bands der europäischen Hardcore- und Punkszene. Das Debütalbum „Something To Prove“ mit Songs wie „My God Rides A Skateboard“ und „Try Again“ ließ die Band um den US-Amerikaner Lee Hollis Ende der 1980er Jahren schnell zur Kultband werden. Es folgten Tourneen durch ganz Deutschland und Europa. Nach dem Ausstieg von Lee erschienen Mitte der 1990er Jahre zwei Studioalben mit Nachfolger Ken Haus für GUN/BMG, die es sogar in die deutschen Albumcharts schafften.1996 lösten sich die Spermbirds auf, um drei Jahre später – wieder mit Lee – zurückzukehren.Zwei weitere Studioalben und Tourneen durch Südafrika und Australien ließen sie endgültig unsterblich werden. Im September 2019 erscheint ihr neuntes und vielleicht letztes Studioalbum, mit dem sie im Oktober und November auf Tour gehen.“Go To Hell Then Turn Left” enthält 13 neue Songs, aufgenommen von Alex Ott im Paul Lincke Studio Berlin, gemischt und produziert von Steve Wiles im Geezer's Palace und gemastert von Andi Jung in Berlin. Die Cover Illustration stammt von Glenn Smith / Glenno Art, das Artwork Layout von Immi, der auch bei der Bonner Band Fluid To Gas spielt. Die gerade erschienene gleichnamige Single “Go To Hell Then Turn Left” hat eine erste Duftmarke gesetzt, schnell und melodisch, mit einem wie gewohnt ironischem Text von Lee Hollis.

Love A haben sich Anfang 2010 in Trier gegründet und bringen viel Banderfahrung aus früheren Jahren und anderen Konstellationen mit. Die Vier zeichnen sich durch einen rotzigen und energievollen Sound aus, den bei aller Punkattitude auch poppige Elemente und Texte mit Witz, Charme und Tiefgang prägen. Love A halten stets die Spannung aufrecht: Die fünf bewegen sich zwischen NDW-Anleihen und Hamburger Schule ebenso wie zwischen drängendem, deutschem Punkrock und rhythmischem Indierock. Den Texten gelingt die Balance zwischen plastisch und kryptisch, zynisch und hoffnungsvoll, nickend und kopfschüttelnd. Das Schlagzeug kommt geradlinig und auf den Punkt, die Gitarre pendelt zwischen stakkatohaften Salven und melodischem Streicheln, der Bass drückt und stützt, der Synthie füllt mit flächigen Sounds die letzten Lücken. Die Stimme schreit, singt und proklamiert Texte in deutscher Sprache - irgendwo zwischen Alltagsbeobachtung, Zynismus, Politik und Humor, zwischen Punkrockwut und Altersmilde. Deutschpunk für das Jahr 2011.

It´s not a trick. It´s just TRIXSI.Wie meinte unser erstes Bandinfo noch gleich? "Der Moment, wenn der Pantomime ein Bein gestellt bekommt und mit dem Gesicht in der Torte des Clowns landet, noch ehe dieser sie werfen kann, dann ist TRIXSI."Irgendwie so ähnlich jedenfalls. Stimmt auch eigentlich, bis auf die Sache mit dem Pantomimen. Dafür sind TRIXSI zu laut. Und die Sache mit dem Clown passt ehrlicherweise auch nur auf diesen Mechenbier, diesen Frontkasper, diese brüllende Bühnenbulette. TRIXSI sind schwer in Worte, aber ansonsten leicht zu fassen. Hier happened nicht mehr und nicht weniger, als der ganz normale Magic, den man mit einer handvoll Freunde in einem Topf namens "Band" eben so anrühren kann. Hier verdichtet sich ein wenig Erfindergeist und viel Auge für das, was bereits vollbracht wurde und Sinn ergab mit einem hohen Maß an Kreativität. Hier werden Reifen plattgestochen, statt den Versuch zu unternehmen, Räder neu zu erfinden. Angst oder Stress hat hier keiner mehr. Bock umso mehr. Freude trieft aus jeder Pore und tropft zu Boden, während die Bandmitglieder synchron den Kopf schütteln: Über den Zustand dieser Welt, das menschliche Miteinander im Allgemeinen und die Musikbranche im Speziellen.Die Band aus Hamburg spielt sowohl mit den funktionalen, antrainierten Momenten ihrer vorherigen, musikalischen Leben, als auch mit der Freiheit, die das Wegfallen von klanglichen und thematischen Konzepten wie HERRENMAGAZIN, FINDUS und LOVE A nun eben möglich macht. Da darf man beim Hören dann plötzlich an WEEZER und die EAGLES denken, während im Proberaum noch immer irgendwelche Punkrockplakate an der Wand hängen. Erlaubt ist, was gefällt. Und hier gefällt man sich untereinander gegenseitig. Einer ruft Prost, alle anderen nicken. Who the fuck is niezuvordagewesen? Wo bei deutschsprachiger Rockmusik der Spaß aufhört, fangen TRIXSI erst an. Und es steht zu befürchten, dass sie noch lange nicht fertig sind. - Jörkk Mechenbier (also ich selber) für die BandDas wirklich großartige zweite Album von Paul Konopacka, Klaus Hoffmann, Kristian Kühl, König Wilhelmsburg und Jörkk Mechenbier aka Trixsi erscheint am 3. Juni auf Glitterhouse Records und hört auf den bescheidenen Namen 'And You Will Know Us By The Grateful Dead'.

Die aktuelle Situation in den Presswerken lässt uns keine andere Möglichkeit, als unsere Preise entsprechend anzupassen, sorry! Welche Relevanz hat deutschsprachiger Punkrock 2010? Vollkommen egal. Pascow machen genau dort weiter, wo sie vor knapp 3 Jahren mit „Nächster Halt gefliester Boden“ aufgehört haben. Etwas eigenständiger, textlich direkter vielleicht, und die Instrumente haben sie sicher auch besser im Griff, aber im Grunde geht es nach wie vor um die Songs, die Melodien und die Energie. Trotz aller Ernsthaftigkeit kommen sie auch dieses Mal ohne Zynismus aus. Bis dato das stärkste Album mit 15 intelligenten Punkrocksongs der Extraklasse, aufgenommen im Studio 45 und produziert von Kurt Ebelhäuser. Die lim. LP kommt mit dickem Textheft und Downloadcode.

Vorbestellung. Das Album erscheint am 27.01.2023 und wird zum VÖ-Datum verschickt. Vorher benötigte Artikel bitte gesondert bestellen! PASCOW beenden die Experimente, die auf dem letzten Album JADE zu finden waren. Obwohl sich die Band beim Songwriting erneut am Rande ihrer Möglichkeit bewegt und mit insgesamt 4 Wochen deutlich mehr Zeit mit Kurt Ebelhäuser und Michel Wern im Tonstudio 45 verbrachte, ist SIEBEN geradlinig, verdichtet und klar, wie kein PASCOW Album zuvor. Sowohl musikalisch als auch textlich. 14 Stücke, keine Ballade. Punkrock, Metalriffs, Violinen - dazu Texte über Daniel Johnston, Wall E und Eve, das Bethanien oder die Königin im Ritzen. Was wie eine Mixtur des Grauens klingt, ist auf SIEBEN geschlossen. Hinzu kommt eine Reihe an Gästen: Apokalypse Vega von ACHT EIMER HÜHNERHERZEN, NADINE NEVERMORE von NTÄ oder die Trierer Sängerin HANNA LANDWEHR seien hier exemplarisch genannt. Das Mastering von SIEBEN übernahm Andi „Dog“ Jung in Berlin. Das Artwork stammt von André Nossek (Via Grafik), der bereits das Cover zu DIENE DER PARTY gestaltete.Aufmachung LP: -LP im Klappcover -Inside Out Cover auf 350g GC1 Karton -LP kommt in extra Schuber (exklusiv bei der Erstauflage) - 16seitiges Booklet in LP Größe auf schwerem Offsetpapier - Download Code - Die LP gibt es exklusiv als Indiepool Release - Um die Ressource Vinyl sowie die Vinylpresswerke zu schonen, wurde auf 180 Gramm Vinyl sowie auf verschiedene Farb-Editionen verzichtet

Nichts ist neu und schon gar nicht leicht. Fatalistischer kann der Titel eines vierten Longplayers kaum klingen. Und das ist es ja auch. Ein Stück weit. Du kannst es nicht lassen, auch wenn es nichts ändert, alleine nicht und als Band nicht, und dann sind zwölf neue Songs entstanden, die du der Welt um die Ohren geben willst.Autor und Musiker Dirk Bernemann über Love A:„Love A ist wie diese Szene in einem Film Noir, bei der plötzlich aus dem Nichts jemand losschreit, an einer Stelle, an der du eigentlich erwartet hast, dass er am Boden liegenbleibt und weiterraucht. Dann explodiert was. Irgendjemand schreit weiter. Hauptsache alle schreien! Aber diese Schreie resultieren aus eben jener präzisen Angepisstheit, die nie zu einer Angepasstheit werden kann. Texte, in denen sich kein Selbstoptimierer wohlfühlt – und Musik wie schräge Architektur, an der du nicht vorbeigucken kannst …“Übrigens: Kanten und Weder noch, bislang nur auf der streng limitierten 7“ erschienen und von vielen Fans immer wieder nachgefragt, finden sich auch auf Nichts ist neu. Eben.

Warum nimmt man die eine Band neu aufs Label, die andere aber nicht? Bei Illegale Farben fiel die Entscheidung in Rekordzeit, nachdem das Label Ende 2014 gerade mal erste rudimentäre Demos gehört hatte. Da war etwas ganz Eigenes, Neues, Starkes; Gitarrenmusik, die nicht vorrangig Rock, nicht hauptsächlich Punk, nicht primär Indie war und die bereits ohne Texte eine absolut klare Aussage formulierte. Unmissverständlich nach vorn und trotzdem vielschichtig, klar und dennoch verspielt. Die Band beschreibt ihr Gründungsmotiv so: „Was mit Gitarren sollte es sein, pathetisch durfte es nicht sein und bitte auch nicht der Dicke-Eier-Rock von alten Herren.“Mission geglückt! Denn was wir jetzt in Händen halten, ist ein Album mit zwölf getriebenen, vielseitigen und -schichtigen Songs, das sich schon mit seiner zweiten Single „Schwarz“ über Wochen in den Campuscharts festgesetzt hat. Kein Wunder, hier trifft Eindringlichkeit auf Eingängigkeit und kaum hält es einen auf dem Stuhl, so sehr schreit der Rhythmus nach Bewegung. Und das zwölf Stücke lang ohne lange Atempause. Wer klassische Hits sucht, wartet vergeblich. Zu viele Schichten liegen übereinander und immer passiert etwas Überraschendes mit drei elektrischen Gitarren – nebst Bass und Schlagzeug, versteht sich. „Zu wenig geschlafen, schlechte Laune und immer die gleichen Gesichter in der U-Bahn. Du gehst nachts allein durch die Stadt und dann fängt es an zu regnen.“, beschreiben Illegale Farben die Atmosphäre ihrer Songs.Live haben Illegale Farben in ihren ersten 20 Konzerten in 2015 – unter anderem auf Einladung von Love A – derart unbefangen aufgespielt und Sänger Thom das Publikum sprichwörtlich aufgemischt, dass wir hier noch einiges erwarten dürfen.

Mit The Sigourney Weavers hat Rookie Records eine junge schwedische Band aufs Label geholt, die alles mitbringt, was wir an skandinavischen Bands lieben: Eine beispielhafte musikalische Ausbildung gepaart mit einem unglaublichen Gespür für eingängige Melodien. Bei dem schwedischen Quintett kommt zur großen Liebe zum Powerpop die gewünschte Musikalität, um Hits nicht nur erkennen, sondern auch selbst komponieren und vertonen zu können.Auf ihrem Debüt „Blockbuster“ haben The Sigourney Weavers zwölf Songs vereint, die das ganze Spektrum und musikalische Können der Band spiegeln. Ein wundervoller Mix aus hittigem Pop mit einer Prise Rock, häufig mit einem Ausflug ans Punk-Ufer und vereinzelten Anklängen von Ska. An manchen Stellen fühlen wir uns an die schwedischen Caesers erinnert, an anderen dürfte der Las Vegas-Sound der The Killers Inspirationsquelle gewesen sein. Und immer wieder weht uns in einzelnen Tracks so ein Hauch schwedischer Schwermut um die Ohren, der den Skandinaviern so ganz eigen is

Guten Tag. Im Jahr X - oft auch “2019” genannt - erscheint das siebte Album von Sedlmeir, ‘Senioren gegen Faschismus’. Es ist wieder ein melodie- und stilsicheres Album mit Hits, die uneitle Verwegenheit, einmaligen Witz und hintergründige Melancholie zusammen zum Bier an den Tisch bekommen.Sedlmeir verarbeitet seine Erlebnisse und Gedanken zu Songs, Halbsongs und Hörspiel-Intermezzi, die er textlich und musikalisch teils auf eindeutige, teils auf metaphorisch-kryptische Art umsetzt. Stilbewusst, aber trotzdem in Bewegung, spannt das Werk einen Bogen zwischen Low-Fi-Chanson und Space-Krautrock.Gegen Rechts zu sein erscheint gerade im eigenen Dunstkreis vielen selbstverständlich, ist es aber leider nicht mehr. Insofern versteht sich das Album als eine klare Positionierung gegen den stumpfen Irrsinn – und damit FÜR den schönen Glanz, die Philosophie und die Faszination Weltraum, der nun einmal unvorstellbar viel weiter ist als Landesgrenzen, Gartenzäune und Existenzängste.‘Senioren gegen Faschismus’ ist eine Erinnerung an die Lebensfreude, ein Stinkefinger an die, die sie uns nehmen wollen.

Herbst 2017: Ein Engel ist zurück mit einem neuen Album.“Fluchtpunkt Risiko” lautet der verwegene Titel seines sechsten Langspielers. Mit sich selbst als Testperson taucht Sedlmeir ab in die Spiralen menschlicher Idiotie und ewigen Wollens, nur um die Beschaffenheit des Nichts aufzuzeigen. Obwohl knallharter Emotionalist, klingt er erstaunlich klar und analytisch – seine typisch schwarzhumorig-sezierenden Texte spielen wieder die zentrale Rolle und beschwören die Romantik der Sachlichkeit. Bei Sedlmeir erscheinen sie im Gewand von Space-Pop-Songs, schmutzigen Krimi-Rockern und absurder Unterhaltungsmusik.Schon der Opener “Gut” tapeziert die Herzen der Hörer mit stoischer Schlichtheit und beschreibt die Schönheit des Zusammenlebens vom Frühstück bis zum letzten Bier morgens um vier. Ein Liebeslied.“Ewiger Diskoschuh” inszeniert stampfende Beats, wabernde Wüstengitarren und den (nicht immer vergeblichen) Versuch, dem Leben Glamour abzutrotzen.Es folgt die verblüffend kurze Abhandlung von Entstehung, Werdegang und Wirken des Menschengeschlechts. Der Schnellrocker “Der Mensch” führt die vermeintlichen Errungenschaften der Zivilisation vor. War demnach alles umsonst?Wenn ja, macht nichts, denn die Option einfach nur herumzustehen hat Sedlmeir immer im Blick. Sogar einen Song hat er ihr gewidmet. In “Ein guter Tag zum Stehen” steht er auf alle nur erdenklichen Arten herum – im Leben, im Regen, vorwärts, und mit dem Rücken zum Bauch. Dazu schranzt die Gitarre das ultimative Herumsteher-Garagen-Riff.Was dann kommt, ist eine Selbstverortung im Roulette der Zweiklassengesellschaft, “Oberklasse Unterschicht”. Klar, auch als Künstler fliegen einem die Millionen nicht von selbst in den Koffer, da bleibt nur der immer gleiche Ausweg – das Weitermachen, das Risiko als ewiger Fluchtpunkt.Anderen schlaue Ratschläge zu geben ist nicht unbedingt Sedlmeirs Ding. “Richtlinien für junge Männer”, einer Art Verhaltens-Ratgeber für die männliche Adoleszens in den schwierigen Zeiten der Testosteron-Flutung, musste allerdings sein.Dekonstruktiv wirkt die DaDa-Hochgeschwindigkeits-Hymne “Immer geradeaus”. Sie verbindet zwei Stile, die so gut selten zusammengepasst haben: ‘Oi’ mit ‘Wave’ zu ‘Oi-Wave’. Und nun? Alles kaputt? Woher denn! Im Verbrechersong “Kriminalität” singt Sedlmeir vom ‘Schmiere stehen auf St. Pauli’, wobei er fast so romantisch klingt, als stünde er nachts am Strand von Capri, um den Sternenhimmel zu bewundern.Sehnsuchtsorte sind nun einmal innere Orte. Sedlmeir beschreibt seinen Sehnsuchtsort als “Downtown, Hauptstr. 1”. Tja, aber auch dort muss der Schornstein rauchen. Eine Reihe unseriöser Tipps zum Geld verdienen gibt es im “Verkäuferlied”. Das meiste Geld liegt bekanntlich in den Steueroasen, weshalb Sedlmeir sich am Ende nach Monte Carlo aufmacht, um dort a: Alles zu gewinnen oder b: Alles zu verlieren.Das klärt “Sonntag in Monte Carlo” nicht auf, aber Sedlmeir war – zumindest innerlich – schon oft in Monte Carlo und ist dort – rein äußerlich – grandios abgeschmiert.Aber der Glanz und der Glamour, die Sehnsucht und das Funkeln im Auge sind ihm trotzdem geblieben. Kein Wunder, lautet doch sein Credo: Kraft aus Stärke schöpfen!

„Und ich weiß auch, dass niemand, wirklich niemand, ein weiteres Duo alternder Punkrocker braucht …“Sprach Jörkk Mechenbier und irrte sich gewaltig. Der Love A Frontmann, der bei Schreng Schreng & La La ebenfalls für Gesang und Text verantwortlich ist, agiert hier, wenn auch eine Nuance leiser begleitet von seinem Freund Lasse an der Gitarre, nicht weniger eindringlich und aussagefähig. Echtholzstandby kommt mit zwölf ehrlichen, tiefen, heiteren, ernsten, wundervollen Stücken. Im Booklet dieses formschönen Digi-Paks findet ihr kurzweilige Linernotes von Jörkk und Lasse, die uns ein kleines bisschen an dem teilhaben lassen, was sie umtreibt, wenn sie zusammen Musik schreiben und spielen.

Der Sound der drei Berliner ist eine explosive Mischung aus Punk, Indie (Rock) und der Leidenschaft für Blues & Soul.Kern der Band ist die Freundschaft zwischen Gitarrist Fabian und Bassist Philipp, die bereits seit 15 Jahren gemeinsam Musik machen. Das 2012 auf „Wanda-Records“ erschienene Debütalbum „Minimal Play“ wurde von den beiden im Alleingang aufgenommen. Vor sieben Jahren haben sie mit Chris Barbieux dann endlich das fehlende Puzzleteil gefunden und verschmelzen auf dem neuen selbstbetitelten Album zu einer festen Einheit.Wie auch schon das Vorgänger Album „Minimal Play“ wurde die aktuelle Platte live im komplett analogen Kozmik Sound Studio in den ehrwürdigen Hallen des ehemaligen DDR Funkhauses in Berlin aufgenommen.Als Toningenieur und Co-Produzent wirkte erneut Mischkah Wilke, der u.a. das Debütalbum der Band Gurr produzierte.Die Band präsentiert sich mit den 10 Songs weit abwechslungsreicher als auf ihrem Debüt, der insgesamt dreijährige Entstehungsprozess hat dabei definitiv seine Spuren hinterlassen.Klingen auf „Freezing Loneliness“ Blues und Soul Elemente durch, präsentiert sich der Opener „My Head Is Bloody But Unbowed“ als komplexer Rock Song, der den Hörer mit dem Einsetzen der Band förmlich überrollt. In Songs wie „Outstanding Call“ und „Here We Are“ lehnt man sich im Tempo weit zurück und sprengt gänzlich alle typischen Genregrenzen.Ein weiteres Hauptmerkmal der Band sind seit jeher die sich duellierenden Gesänge von Fabian und Philipp. Das Zusammenspiel ihrer Stimmen präsentiert sich stärker und harmonischer als bisher.Der rohe, organische und ungeschliffene (analoge) Sound wird durch die Vintage-Ästhetik des Artworks abgerundet. Die Platte sieht aus, als hätte sie die letzten 30 Jahre in diversen Flohmarktkisten verbracht.

Der fünfte Longplayer von Pascow, „Diene der Party“ entpuppt sich gleich beim ersten Hören als zweifellos pascowesk. Deutschsprachiger Punkrock, schnell, hart, ehrlich und direkt. Gewachsene Qualitäten ausbauen, neue entdecken – so könnte man den Longplayer mit 15 Songs zusammenfassen. Wo in früheren Werken Texte stärker codiert wurden, stehen heute klare Aussagen im Mittelpunkt. Diese musikalische Vertrautheit, der Sound, an dem wir Pascow seit mehr als fünfzehn Jahren unmittelbar erkennen, schlägt uns entgegen in Songs wie „Im Raumanzug“ oder „Die Realität ist schuld, dass ich so bin“ und trifft uns in „Verratzt“ geradezu mitten ins Gesicht. Ein Song, der mit einer Spielzeit von 30 Sekunden bereits zu Ende ist, bevor wir überhaupt realisieren konnten, wie uns geschehen ist.Gleichzeitig begibt Pascow sich musikalisch auch auf ungewohnte Terrains. Der titelgebende Song klingt überraschend neu und anders verglichen mit dem 'bekannten' Sound. Vor allem den stoisch treibenden Beat von Schlagzeug und Bass hinter den lauernden Gitarren und dem forderndem Gesang hat man so noch nicht von der Band gehört. Bei „Castle Rock“ scheut man sich dann auch nicht davor, alte Dance-Punk-Einflüsse mit wuchtigem Bass und kratzigem Gesang zu kombinieren. Ein extrem facettenreiches Album, das in drei schönen Versionen vom CD-Digipack über weißes Vinyl bis zum Liebhaber-Vinyl-Set auf Rookie Records erscheint.

Hervorragender, hymnischer Punkrock mit legendärer Street- und Ska-Punk Vergangenheit. Was für eine Entwicklung über die letzten 15 Jahre: Was einst als Operation Ivy Epigonen dreier exil-Amis begann und sich über die Jahre zum Oi!-Punk mit Stil entwickelte, ist jetzt besser denn je! Mit dem fünften Album gelingt dem Power-Trio der große Wurf. Bei den ersten Stücken scheint Nicks kalifornische Vergangenheit durch: die Chöre sind sonnengetränkter Strand-Punk mit feinster Gitarrenarbeit pur. Zwischendurch gibt's so gut wie nie Ska und Dub Reggae Exkursionen, super Rockabilly Licks des Gitarristen und folkigen Punk, der sowohl an die Pogues als auch an neuere Dropkick Murphys erinnert. Die intelligenten und sozialkritischen Texte spiegeln den Einfluss von Strummer und Waits wieder. Ein ganz heißes Eisen über 13 Runden.

Vier Jahre nach "Golden Staples" erscheint das dritte Album der Franzosen, diesmal als Kooperation von Kicking Records (F), Kidnap Music und Rookie Records. "Staring at the Sun" ist eine Ode an die Melodien des New Wave, eine Hommage an The Cure und Killing Joke, der Eckpfeiler einer Band, die mit halsbrecherischer Geschwindigkeit auf dem Highway der Unberechenbarkeit fährt. "Like Gods We Feast" oder "Secrets" fassen den fantastischen Wechsel der Gangwechsel: Hinzufügen von Loops und Synthesizern, Beharrlichkeit einer unverwüstlichen Bass/Schlagzeug-Kombination, eine Fülle kristalliner und kraftvoller Gitarren, eine Menge eindringlicher Vocals. Diese Jungs wissen, wie man gute Songs schreibt, das ist eine Tatsache. Und sie wissen auch, wie man sie zu spielen hat. Aber vor allem wissen sie, wie man ihnen eine Seele gibt, indem sie die Kraft der Klänge mit der Unmittelbarkeit von raffinierten Texten versehen. Die Texte mit klaren und kraftvollen Bildern, die sich mit radikalen Themen wie Scheitern, Einsamkeit, Isolation oder Geisteskrankheit befassen. Ein Alltag, der alles andere als einfach ist, mit einer Botschaft der Hoffnung. Wenn man Ed Scientist fragt, ob dieses Album die perfekte Mischung aus den ersten beiden Alben sein könnte, teilt der Gitarrist/Sänger diesen Standpunkt nicht: "Das würde ich nicht sagen. Ich betrachte Staring at the Sun als eine echte Weiterentwicklung unseres Stils. Mit der Hilfe von (Produzent) Santi, der eine echte Meisterleistung vollbracht hat, haben wir Dinge gewagt, die wir nie zuvor ausprobiert haben".

Als Ursprung der Beginnings kann man den Sommer 2016 in Berlin bezeichnen, als Ville Rönkkö (u.a. Wasted, I Walk The Line, beide aus Finnland) anfing auf seiner Gitarre Songs im Stile seiner Lieblingsbands Hüsker Dü, The Replacements, Rites Of Spring, Pegboy und Jawbreaker zu schreiben. Durch einen gemeinsamen Freund traf er Raoul Festante, der schon für Bands wie Veil, I Defy und Salad Days gesungen hatte, kurz danach stießen Robert Licznerski (Git), Tilmann Rohlf (Drums), die beide auch bei der Band Resolutions spielen, und Timothy Bassett-Allan (Bass; Metro Chucks) dazu. 2017 war das Jahr des Songschreibens, erste Konzerte in Berlin folgten bald und ein 2-Track-Demo erschien bereits im Februar 2018.Das Debütalbum 'Recover' mit 12 Songs wurde bei/von Max Power (u.a. Beatsteaks, Turbostaat) aufgenommen und von Fabian Tormin / Plätlin Mastering gemastert.

Die zweite Wiederauflage (remastered) der Walter Elf-Debütscheibe. Im Original erschien sie 1986, damals ohne jegliche Texte und Linernotes. Das eine nicht als nötig erachtet, weil klar verständlich beim Hören, das andere eher rückblickend für sinnvoll befunden. Dieses Album, das mehr oder weniger das gesammelte Songmaterial der Jahre 1983-1986 beinhaltet und vielleicht deshalb auch immer noch so beliebt ist, genießt bei vielen den Status eines Punkrock-Klassikers. Zum 20-jährigen Geburtstag kommt die Scheibe mit vier Bonussongs (noch nie auf CD und auf Vinyl super rar!) von der Split-7" mit Spermbirds (1985 auf X-Mist Records erschienen): „Kaiserslautern“, „15 Bier“, „Leb‘ wohl, Hans-Peter“ (anlässlich des Wechsels von Hans-Peter Briegel zu Hellas Verona und bis dato nur auf dem Awup!-Single-Sampler veröffentlicht) und „Heute wird gefeiert“ (bislang nur auf dem 1-2-3-Fish!-Cassetten-Sampler erschienen). Exemplarisch gibt es den Text von „Kaiserslautern“ nachzulesen, der alles enthält, was in früheren Jahren mal wichtig war: Fußball, Alkohol und die Hassliebe zur pfälzischen Heimatstadt.

„Bisschen Keller, bisschen dreckig, bisschen Rock, ganz viel Hamburg!“ Das sagen Trixsi auf Facebook über Trixsi und es beschreibt das erste Album dieser alles andere als jungen Band ziemlich treffend. „Frau Gott“ erscheint am 26. Juni 2020 auf Glitterhouse Records und hätte jemals jemand nach der Schnittmenge aus einer Liaison zwischen Love A, Herrenmagazin, Findus und Jupiter Jones geforscht, wir wissen nicht, ob man bei diesem Sound herausgekommen wäre.Was dieses Debüt ganz natürlich von klassischen Erstlingswerken unterscheidet, ist die jahrzehntelange Banderfahrung, die alle fünf Trixsis aus den genannten Kapellen mitbringen. Paul Konopacka, Bassist bei Herrenmagazin, spielt hier die Drums, Torben Leske, ebenfalls Herrenmagazin, die eine, Kristian Kühl, ehemals Findus, die andere Gitarre, am Bass der frühere Jupiter Jones Bassist Klaus Hoffmann und am Gesang Jörkk Mechenbier, bekannt von Love A und Schreng Schreng & La La. Beim Versuch einer Verortung des Resultats schreckt Jörkk nicht einmal vor der Schublade Deutschrock zurück, die Indie-/Alternative-/Punk-/Post-Irgendwas-Anhänger*innen ja eher schwarz vor Augen werden lässt. „Torben besteht darauf, dass wir eine Rockband sind. Warum nicht? Deutschrock ist ja besser als sein Ruf. Deutschrock scheitert nur daran, dass die Leute keine Subkultur und keinen gesellschaftskritischen Auftrag haben, wohingegen wir ja wegen unserer Weltanschauung und politischen Haltung überhaupt erst angefangen haben Musik zu machen.“Dabei ist „Frau Gott“ viel bunter als ihr Pressesprecher uns weismachen will. Die elf Songs sind so vielfältig und -schichtig wie ihre fünf Komponisten; von der stinknormalen Alltagsverzweiflung („Menschen“) über den zum Scheitern verurteilten Versuch sinnloser Anpassung („Stetig/Redlich“ oder „Ab Morgen“) bis hin zu infantilsten Albernheiten („7 oder 9“) ergießen sich Trixsi instrumental und textlich facetten- und abwechslungsreich. „Ich trenn den Müll gewissenhaft, obwohl mein Haus nur eine Tonne hat“ ackert sich der Trottel in „Stetig/Redlich“ ab. Ganz andere Beziehungsprobleme verfolgen den Protagonisten in „Ab Morgen“: „Ich hab‘ Nick Cave verpasst auf einem Festival. Ich lag vollgekotzt im Zelt. Du hast gesagt, dass das gar nicht witzig ist, hast geschimpft und geschmollt.“Das Leben wurde ja auch ein bisschen erfunden, um immer wieder daran zu scheitern, wenn man gerade dachte, man könnte die Kurve doch noch irgendwie bekommen. Das ist es, worüber Trixsi spielen und singen. An manchen Stellen kann man auf Pavement stoßen („Menschen“), dann begegnen wir Momenten von Brit Pop der zweiten Welle à la Arctic Monkeys oder Maximo Park („Autobahn“), fühlen uns an Sebadoh („Stetig/Redlich“) oder Built to Spill („Ab Morgen“) erinnert. Und auch bei drohender Endteilzeitstimmung verlieren Trixsi nicht den Humor und bewahren sich ihre Selbstironie.Erinnerungen an Kindheit in „7 oder 9“ klingen so: „Krieg gab es nur in Opas Stories und vor der Sandburg mit Kai. König Hamster war der Kanzler, den ich wählte, das war okay, denn der war cool und nie gemein.“ Bezeichnenderweise beschließen die fünf zugezogenen Gentrifizierer ihr Album mit einem selbstironischen Genre-Diss, „IroCityExpress“, der in bester Drei-Akkorde-Manier und einer Laufzeit von 1.20 Minuten über Punkrock-Attitüden herzieht: „Man kann nicht immer nur Trixsi hören und diesen Hamburg-hippen Scheiß!“ Das sehen bei Weitem nicht alle so, denn speziell live machen Trixsi ganz besonderen Spaß. Da passiert etwas geradezu Magisches, wenn diese fünf Spätberufenen ihre Liebe zur Musik auf der Bühne (mit-)teilen. „Bei uns ist jeder ganz harter Fan dessen, was die anderen bislang musikalisch gemacht haben und machen,“ umschreibt Jörkk diese kuschelig intime Stimmung, die einer warmen Welle gleich von der Bühne schwappt und sich übers Publikum ergießt.Musik darf alles und dennoch müssen wir den teils defätistischen Zeilen Trixsis ein bisschen widersprechen. „Alles, was die Menschen tun, ist traurig, weil sie nicht wissen, wie das glücklich sein geht“ will uns „Menschen“ glauben machen. Mag sein, aber „Frau Gott“ gelingt es schon beim ersten Durchlauf die Endorphin-Ausschüttung anzuregen und den Alltagsfrust zu relativieren. Und sei es nur, weil wir nicht allein verzweifeln. Die Absurdität und Unzulänglichkeit des menschlichen Seins zu vertonen, nichts Geringeres ist diesem Debüt gelungen. Ein feucht-melancholisches Hoch auf Trixsi und jetzt: „Für immer liegen bleiben!“

Das australische Trio überraschte 2011 die Musikwelt mit ihrem Debütalbum „Queso Y Cojones“ und die darauffolgende Europatour war ein einziger Siegeszug. Nun erscheint also der Nachfolger „It’s A Long Long Way To Meximotown”, auf dem Anto Macaroni (Leadgitarre, Bassdrum, Snare, Becken), Pikkle Henning (Bass, Bassdrum, Fuß-Maracas, Hi-Hats) und Renato Vacirca (Akustische und elektrische Gitarre, Bassdrum, Fuß-Tamburin, Kuhglocke) die bekannten Einflüsse von Richie Valens, Nathaniel Mayer und Pedro Vargas zu einem einzigartigen Spaghetti Western-Mariachi-Rock ’n’ Roll-60s-lo-fi-Sound vermengen. Sie huldigen ihren Schwiegermüttern (Para Su Madre), ihren hässlichen Hunden (Mi Perro Es Tan Feo) und Männern, die sie gerne als Vater gehabt hätten (A Theme For Vincent Fernandez). Das 14 Song Album enthält diesmal auch wenige moderne Einflüsse, Weiterentwicklung nennt man das wohl, und zwei großartige Coverstücke: der Hit „The Whole Damn Thing“ von Those Darlins wird zu „Todo El Asunto”, „Dodo Blues“ des australischen Blueshelden CW Stoneking wird zu einer „Spanglish Funknummer“ (Blues Dodo).